El tema cristiano de la Anunciación nos describe a dos personajes, el arcángel y María en el momento en que el primero anuncia a la mujer el nacimiento del hijo de Dios y así se narra en los evangelios. Por la descripción que se hace del acontecimiento y por la composición que se realiza, es el marco adecuado para hacer un breve repaso de la historia de la pintura, para así tener unas nociones básicas antes de estudiar el arte en el siglo XVIII. Aparecen dos personajes (más el símbolo del Espíritu Santo), la luz divina, el dominio del espacio, dos realidades (celestial y terrena), dos situaciones (la expectación de María, la llegada del ángel)...
Hemos elegido cinco pinturas correspondientes al románico, gótico, renacimiento, manierismo y barroco, para analizarlas desde la técnica y desde el punto de vista de la composición, la línea y el color, la luz, la perspectiva y la aparición de las figuras, situándolas cronológicamente y aportando algún dato de interés que nos ayude a la compresión de la pieza en cada momento.
El muro era el soporte principal aunque existían otros como la pintura sobre tabla (éste sería un ejemplo), las miniaturas o los tapices. La pintura junto con la escultura formaba parte inseparable de la arquitectura para componer un microcosmos que reflejara el orden universal creado por Dios.
Así la pintura se veía sometida a la acomodación de las escenas y personajes al lugar que ocupaban en el templo, lo que se denomina la ley del marco. Pero también las pinturas poseen un criterio de composición interna denominada ley del esquema interior, que organizaba las figuras siguiendo un esquema geométrico de carácter doble: tanto en la composición como en las figuras.
Toda la superficie aparece cubierta de figuras sin dejar espacios vacíos, es el denominado "horror vacui".
Modificado a partir de la imagen tomada de: http://www.romanicocatalan.com/02a-Lleida/Ribagorca/Cardet/Cardet-archivos/Cardet14.jpg
Frontal de altar de Santa María de Cardet.
Desde el punto de vista técnico se utiliza en el mural el fresco (color mezclado en agua e impreso en yeso húmedo) sobre capas de enlucido y en la tabla se utiliza el temple, (color disuelto en agua y con grasa animal como aglutinante) sobre yeso y tela encima de la madera.
Tomado de:
Fijaos en la eliminación del espacio y del paisaje, que se acentúa con la colocación en la parte superior de unos carteles presentando los personajes o narrando la escena.
Las imágenes son totalmente antinaturales y se elimina todo lo relacionado con un espacio realista: no hay volumen, ni profundidad, ni sensación de movimiento. La ausencia de espacio es notable hasta llegar a situar cartelas (bocadillos se llaman) para explicar las escenas o designar a algún personaje. La perspectiva que se utiliza es la caballera, consistente en obtener un punto elevado de contemplación.
Predomina la línea sobre el color, que es plano, sin gradación. No existe ningún tipo de detalle o anecdotismo.
Cronológicamente el románico se sitúa entre los siglo XI y XII.
Para ampliar el románico: http://sdelbiombo.blogia.com/temas/romanico.php
La técnica cambia de manera evidente, ya que se abandona el muro apareciendo en su lugar la vidiriera (aunque no podemos olvidar la tradición muralista en el gótico lineal o franco-gótico, al menos hasta el siglo XIV, o en el trecento italiano o italo-gótico). Aparecen o se recuperan nuevos soportes como la pintura sobre tabla, el tapiz o el mural pero concebida de una manera exenta, sobre todo la tabla, y en diversas combinaciones (dípticos, trípticos o retablos).
La técnica sobre el muro sera el fresco y el temple (mezclando los colores con huevo) sobre muro seco y surge una nueva técnica que es el óleo (mezclando los colores con aceite de nogal o lino).
La pintura gótica presenta un carácter multiforme y evoluciona desde lo lineal a lo volumétrico, dando cada vez más importancia al color, la luz y la sombra para lograr la sensación de lo corpóreo.
Tomado de: http://lapalabrafigurada.files.wordpress.com/2010/01/simone_martini_078.jpg
Anunciación de Simone Martini
El color también sufre une evolución desde la pintura plana, de colores puros y con contraste del primer gótico, hacia tonos que sugieren el modelado de las figuras. Además fue adquiriendo un contenido simbólico y manifestando los estados de ánimo.
Surge también un carácter tridimensional mediante la utilización de la perspectiva u otras técnicas que simulan la concepción del espacio (ventanas abiertas al espacio, marcos exteriores en la tabla... como ocurre con los primitivos flamencos)
Tomado de: http://lh6.ggpht.com/_YOqVzNop9yI/SFfLZelxNHI/AAAAAAAAGuc/M9n9a23ZTno/s128/91b.-Simone%20Martini%20%20Anunciaci%C3%B3n.jpg
Las imágenes aparecen de una manera realista, ya que el mundo es reflejo de la divinidad a través del cual el hombre se acerca a Dios. La pintura debe ser un acercamiento a la naturaleza.
Tomado de: https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYGTC98DGR53nWw6vFvO3G3zuPxyFs5nh-9UCYs0j5n7RUXCzAX0eoQShunJCKO2QiVop6xfrCPpz32cdUl6K56Tg4LVsRXVeqSm_sK3Ks2mVeADpsfQvnMHtmzqMVjFJL_ZuMZicoRO0/s400/SM.jpg
Detalle del ángel. El lirio en el jarrón simboliza la pureza y aparece de una manera indisociable al tema a partir del siglo XIV.
La luz ocupa un gran papel, por su valor simbólico y por lograr la conquista del mundo que rodea la escena. El fondo de la obra, en este caso, como cielo divino se cubre de oro, símbolo de riqueza y poder, máxima expresión de la simbología divina.
Para ampliar el gótico: http://sdelbiombo.blogia.com/temas/gotico.php
Sobre la evolución de la pintura gótica pero en Aragón:
Sobre los primitivos flamencos: http://sdelbiombo.blogia.com/temas/primitivos-flamencos.php
Las técnicas fueron variadas, además del fresco de grandes dimensiones, se empleó la técnica del temple sobre tabla y el óleo.
Las composiciones son muy cuidadas y cerradas, inscribiendo a los personajes en figuras geométricas que transmitan equilibrio, estabilidad o serenidad (tales como triángulos, círculos).
Se usa la perspectiva lineal, una de las grandes aportaciones junto con el uso de la luz.
Destaca el dibujo y el color que se va imponiendo, graduándose hasta difuminarse en los bordes, y combinando con la luz, los pintores consiguen plasmar la sensación de profundidad en las pinturas. Es decir, interviene en la definición de los volúmenes y los espacios y en la graduación de los colores.
La temática de la pintura será variada pero abundan las pinturas religiosas (como nuestro ejemplo), pero con la novedad en cuanto al tratamiento humano de los personajes sagrados, en detrimento de los contenidos teológicos. Así podemos observar la humanización de los rostros de los dos personajes y la eliminación de los nimbos.
También fueron frecuentes la temática mitológica para unir la tradición clásica y la cristiana, los retratos como reafirmación del antropocentrismo, y representaciones de temática histórica, sin olvidarnos del paisaje y el desnudo.
Se desarrollaron dos tendencias en el siglo XV: una de origen medieval y la científica. En el siglo XVI la pintura alcanza el máximo grado de unidad compositiva, equilibrio y belleza.
Para ampliar el renacimiento:
http://sdelbiombo.blogia.com/temas/renacimiento-en-italia.php
A partir de 1525 se produce una profunda crisis de valores y los artistas abandonaron la originalidad creativa y trabajaron "a la maniera" de otros, imitando sus composiciones y, a menudo, deformándolas.
A medio camino entre renacimiento y barroco, el manierismo se dirige a una minoría intelectual, selecta.
Se abandona el clasicismo y se prefieren las composiciones desequilibradas, los gestos excesivos, el gusto por el detalle y las escenas refinadas y aristocráticas. En este sentido destacan las formas curvas y ondulantes (serpentinata) y las figuras buscaron extraños efectismos mediante posiciones enigmáticas e inestables, perdiendo la serenidad clásica.
Algunos autores, como El Greco, muestran dos dimensiones, la celestial y la terrenal (diopsia) y alargan las figuras para espiritualizarlas.
El Greco, 1567, Anunciación del Políptico de Módena.
La escena está centrada en la paloma, símbolo del Espíritu Santo, cuyos rayos parecen iluminar las figuras de los personajes. Los colores resplandecen con sus tonos calientes y con una combinación armoniosa. Las figuras se alargan y parecen flotar en el aire, suspendidas, sobre todo la imagen del ángel.
Para ampliar el manierismo: http://sdelbiombo.blogia.com/temas/manierismo.php
Supone una vuelta consciente al realismo, ya sea a los sentidos (naturalismo, con Caravaggio) o al intelecto (clasicismo, con Poussin), pero no idealizado.
El Barroco se desarrolló en el siglo XVII pero muestra una gran diversidad: escuelas nacionales, en incluso tendencias regionales, o corrientes de índole religiosa (como la católica o contrarreformista representada por Rubens o España frente a la corriente protestante protagonizada por Rembrandt, en Holanda o Inglaterra).
Predomina el color sobre la línea. y se produce la conquista definitiva de la profundidad con la perspectiva aérea.
Los pintores logran el dominio de la luz, que adquiere unos matices expresivos. El claroscuro es mayor (por ejemplo en el tenebrismo). Y también se buscó unos efectos ópticos para mostrar estructuras que realmente no existían.
Las composiciones son muy cuidadas a pesar del aparente desorden y confusión, donde destaca un gran dinamismo y movimiento. Suelen ser composiciones abiertas, que acentúan la intensidad de la acción y de los temas. Líneas diagonales atraviesan la escena y los personajes se reparten de manera desigual mostrando una asimetría, que llega incluso a situar personajes en figuras partidas o incompletas, fuera del marco.
Se produce una auténtica renovación temática, ampliándose los temas tradicionales (ya comentados en otras épocas) con las escenas de género, paisajes, bodegones e interiores domésticos.
Tomado de:
Rubens, 1609, Óleo sobre tela.
Uno de los elementos revolucionarios que modifican la tradicional iconografía es la llegada del ángel desde la derecha, al igual que en la anterior imagen, que llega casi a tocar a María que retrocede atemorizada. La luz procede de la parte superior central, donde se encuentra la paloma, de manera forzada, modelando las figuras, dejando un espacio central vacío. Ha desaparecido la división entre espacio celeste y terreno, tal como mandaba el Renacimiento.
Para ampliar el barroco:
http://sdelbiombo.blogia.com/temas/barroco.php
Para saber más:
http://artespana.nosdomains.com/historia/historia_arte/historia_arte.htm (sin imágenes, pero resúmenes)
http://www.pintoresfamosos.cl/ (buena colección de imágenes)
Otro tema interesante para estudiar la evolución de la pintura es la Visitación (que se narra inmediatamente después al anuncio del ángel y que hemos elegido para estudiar aquí). Os dejo un enlace interesante donde poder ver un montón de imágenes: http://ellogosenelarteuniversal.blogspot.com/
Ahora te toca a ti. Con la información que tienes, intenta situar cronológica y estilísticamente estas otras imágens. Si lo haces, aunque no lo consigas correctamente se recompensará...
Fra Angélico:
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlIWm28ZqSPdVYlE2KFDdtZCXdWQoATbPR0u2XRIi1Lp9uGnkbAqC_hab5LejhaxYlvAdYiDa8Ncb314L_Q910iWKY5rxnA5Mv91WCgw-Q6xPu57b0sKv0t02OVHjhLqMa889JOBRRf58/s1600/Fra+Angelico+-+La+anunciacion+(1430).jpg
Santa Mª de Lluça
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJBYsd9mI0vlU6-TSDtrBAe3giftoq0z4Sxuw_Y6joLLYJJ-8m4RxGB8rKLpVTx-dS_diS3j6n2TOTP84sFsFtqhNgkT9rWfQYZ3Bn-H6J3kVT0QbAIaYXvh7w7d7HyiujZfH6Q_dOKmM/s400/ANUNCIACI%C3%93N.-ROM%C3%81NICO+S.XIII.-Detalle+del+Frontal+de+Sta.+Mar%C3%ADa+de+Llu%C3%A7a.jpg
Roger Van der Weyden:
http://www.painting-palace.com/files/176/17549_The_Annunciation_f.jpg
Sandro Botticelli:
http://www.historiadelartemgm.com.ar/imagenesantiguasboticelli/botticanunciacion.jpg
San Isidoro de León (Panteón de los Reyes):
San Isidoro de León (Panteón de los Reyes):
http://1.bp.blogspot.com/_nAmaBr17rQk/TI0pADp1XuI/AAAAAAAAFZo/GjuZHRv-FuI/s1600/la+anunciacion+Murillo+1655-60.jpg
Ánimo.
Teodoro Fernández
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Renoir was one of the leading painters of the famous art group. Renoir Paintings
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